IVE – “XOXZ”

IVE passou a maior parte dos primeiros anos esculpindo um tipo muito específico de hit: instantâneo, melódico e deliberadamente polido. “XOXZ” quebrou esse padrão de uma forma que parecia tardia. O grupo exibiu um pequeno preview no SBS Gayo Daejeon Summer, e mesmo aquele clipe gerou um tipo diferente de conversa – que elas estavam se pressionando. Quando a Starship confirmou que promoveria o quarto EP “Ive Secret”, já dava para sentir a mudança chegando.

A música finalmente saiu em 25 de agosto com um som que fica fora do manual habitual delas. Ela se apoia mais em emoção codificada do que em hooks, com uma sensação de contenção que normalmente evitam. A produção carrega a maior parte desse peso. 808s pesados e padrões de bateria frios constroem uma tensão baixa e constante, enquanto os vocais reduzem para algo mais minimalista. Até as partes de rap ficam mais baixas na mixagem, quase como se fizessem parte da arquitetura em vez de estarem sob os holofotes.

Acabou sendo uma das faixas-título mais interessantes delas porque pediu aos ouvintes que as encontrassem no meio do caminho. Menos instantâneo, mais intencional. Uma evolução real em vez de um refresh de superfície.

STAYC – “BEBE”

STAYC nunca realmente perseguiu a mesma via duas vezes, mas “BEBE” marca um dos pivôs mais claros do grupo. House-pop pode ser um beco sem saída se se apoiar demais na fórmula, ainda assim o grupo entra nesse terreno com senso de propósito em vez de conveniência. Esta faixa lidera o quinto single album “S” e chega com uma ética por baixo: elas estão prontas para sacudir as expectativas construídas a partir do debut polido de 2020 e mostrar algo mais próximo do osso.

A música segue um pulso house elegante e viciante, mas o que a impede de escorregar para o território genérico é como as integrantes lidam com o espaço ao redor. Os vocais delas não brigam com a batida – contornam-na. Cada voz soa distinta e mais guiada por caráter do que pela entrega brilhante que as pessoas costumam associar a elas. Há uma inquietação na performance que insinua o tema por trás da faixa: afastar-se da versão de STAYC que a indústria acha conhecer.

Embora já tenham explorado esse som antes, o que faz “BEBE” se destacar no catálogo é que não depende do charme instantâneo habitual do grupo. Em vez disso, apoia-se no clima, no movimento e na identidade. Um reset sutil, carregado por confiança em vez de volume.

NMIXX – “Blue Valentine”

“Blue Valentine” se tornou um dos hits definidores do ano, e parte desse impacto vem de como captura claramente o que o NMIXX tem tentado articular desde a estreia. Chegou como single principal do primeiro álbum de estúdio homônimo, e a promoção deixou óbvias as intenções. Teasers, prévias a cappella e o highlight medley apontavam para uma faixa que não ia se prender a um template seguro. Quando a música finalmente saiu, explodiu em charts e programas musicais, acumulando oito troféus e alcançando o topo do Circle Digital Chart.

Sonoramente, ela dobra várias texturas numa única estrutura sem perder claridade – um truque que o grupo já tentou antes, mas raramente com esse nível de controle. Linhas de synth melancólicas, riffs de guitarra e ritmos mutáveis dão à faixa sua forma emocional, enquanto o arranjo transita entre velocidades de um jeito que soa mais narrativo do que experimental. Fica em algum ponto entre pop rock e o autodefinido “Mixxpop” do grupo, só que mais afiado e mais ancorado.

O sucesso da música não se resume a números. “Blue Valentine” é a primeira vez em que a identidade híbrida delas pareceu totalmente realizada em vez de apenas teórica. Ela trouxe ambição com precisão, e o público respondeu.

fromis_9 – “Like You Better”

Um comeback pode ser barulhento sem ser triunfante, mas “Like You Better” carrega um tipo muito específico de triunfo – construído sobre a incerteza em vez do impulso.

Depois que o contrato do fromis_9 com a Pledis expirou, o futuro do grupo ficou suspenso no ar. Cinco integrantes acabaram assinando com a Asnd, e só quando a companhia garantiu os direitos ao nome do grupo a ideia de nova música passou a fazer sentido. Quando “From Our 20’s” foi anunciado, foi um farol de esperança de que o grupo havia se estabilizado, se remodelado e estava pronto para seguir como um ato de cinco membros.

A própria música pende para o brilho, mas não de forma ingênua. Ela constrói sua paleta de verão com camadas brilhantes de synth e riffs de guitarra enérgicos. O refrão explosivo remete às assinaturas sonoras antigas do grupo, mas a entrega soa mais firme, quase como se estivessem reafirmando uma identidade em vez de tentar recapturá-la. Liricamente, circunda o amor por vários ângulos, espelhando a ideia de recomeçar enquanto ainda carrega história.

Comercialmente, teve impacto – estreando em terceiro no Circle Chart e garantindo uma vitória no Music Bank. Mas a vitória real foi narrativa. “Like You Better” fechou o capítulo da incerteza e abriu um do qual elas podem construir.

I-dle – “Good Thing”

Rebrandear um grupo tão icônico quanto o I-dle não é decisão leve. Isso reescreve legado, força um reset na percepção e carrega a próxima faixa-título com expectativas assassinas. “Good Thing” chegou em 19 de maio como single principal do apropriadamente intitulado “We Are” – o oitavo EP no total, mas, mais importante, o primeiro lançamento desta nova era. Esse contexto é o que faz a faixa importar. Foi o momento em que o grupo tinha que provar que a rebrand tinha propósito artístico, não apenas uma jogada de marketing.

Soyeon escreveu, compôs e arranjou a faixa, guiando-a para uma versão nova do maximalismo que as pessoas costumam associar ao grupo. Em vez de se apoiar na confiança piscante de “Queencard” ou nas estruturas carregadas de personagem de “Tomboy” e “Nxde”, “Good Thing” opta por uma paleta mais estilizada. Instrumentos retrô e acentos 8-bit ficam mais próximos da textura, e a frase repetitiva fixa a música numa identidade rítmica cortante. O autotune dos anos 2000 não está ali por saudade – endurece os vocais em algo mais sintético e estilizado, dando ao grupo um ponto de partida sonoro fresco nesta primeira faixa da nova era.

Vocalmente, as integrantes se comprometem com a mudança. Yuqi comparou o som a “ser atingido por eletricidade”, enquanto Minnie conectou-o às suas primeiras memórias de K-pop – detalhes que dão alicerce num momento em que o grupo reescrevia quem podia ser a seguir.

Não estourou nos charts coreanos, mas “Good Thing” garantiu seu lugar no ano porque definiu o tom para um I-dle recalibrado – confiante o bastante para recomeçar sem se repetir.

H1-KEY – “Summer Was You”

A ascensão do H1-KEY nunca foi instantânea, mas tem sido consistente – o tipo de crescimento gradual que depende de músicas sólidas em vez de artifícios. “Summer Was You”, faixa-título do quarto mini-álbum “Lovestruck”, é o exemplo mais claro do que essa abordagem pode render. Lançada um ano após o último projeto, chegou com a sensação de que o grupo precisava de uma faixa que pudesse apertar sua identidade e recuperar um pouco do momentum despertado por “Rose Blossom” e “Let It Burn”. Foi exatamente isso que fez.

A música é a mais explicitamente sazonal delas até agora, mas não do jeito previsível e synth típico de verões K-pop. Em vez disso, aproxima-se de um arranjo rock pleno e ensolarado, pensado para movimento. O refrão é onde ela se abre: brilhante, em camadas e estruturado em segmentos distintos que continuam se construindo em vez de looping.

O sucesso da faixa nos charts domésticos e nas plataformas internacionais não aconteceu por acaso. “Summer Was You” é a prova de que o H1-KEY está construindo um catálogo com músculo real.

Hearts2Hearts – “Style”

Segundos singles são implacáveis. Estreias têm o colchão da novidade; as sequências precisam responder à pergunta real – existe um grupo ali de fato ou só um lançamento esperto? Para o Hearts2Hearts, “Style” foi esse teste. Primeiro reportado em 30 de abril e confirmado pela SM logo depois, a faixa saiu em 18 de junho como o primeiro comeback deles e a primeira oportunidade verdadeira de mostrar se a faísca da estreia podia se consolidar em identidade.

A faixa é um dance up-tempo construída sobre ritmos efervescentes e uma linha de baixo irritantemente pegajosa, mas é a mudança de atmosfera que a torna interessante. Enquanto “The Chase”, a estreia, flertava com um quadro mais leve e misterioso, “Style” soa mais para frente – brilhante e confiante, com verniz pop total. A harmonia vocal faz grande parte do trabalho pesado, entrelaçando suavidade numa faixa que poderia facilmente pender para o genérico. Em vez disso, aterrissa com um tipo de charme desforçado.

Liricamente, a música brinca com curiosidade e ambiguidade, girando em torno da ideia de ser atraído pelo “estilo inabalável” de alguém enquanto mantém o seu próprio. É simples, mas funciona – e a camada meta é difícil de ignorar. “Style” não é só sobre gostar do clima de outra pessoa. É o Hearts2Hearts pedindo aos ouvintes que comprem o deles.

HITGS – “Sourpatch”

Faixas de estreia frequentemente parecem projetadas para impacto – alto brilho, caçando reconhecimento instantâneo. “Sourpatch” toma outro caminho. É uma faixa dance contida que mantém as bordas suaves, flertando do doce tingido dos anos 60 até ritmos contemporâneos de jersey-club sem anunciar a transição. O K-pop tem o hábito de costurar gêneros conflitantes e fingir que é sem esforço; esta é uma das poucas estreias em que a mistura realmente soa natural em vez de novidade.

A música anda leve, quase como se fosse feita para devaneio. Os versos flutuam naquela névoa retrô quente antes da batida estalar para algo mais moderno, sem nunca ser agressivamente assim. O refrão é a âncora, construído em torno do contraste simples no coração da faixa: “’Cause love’s so sweet / And a little bit of sour.”

É fofo sem ser piegas, trendy sem soar desesperado. Sim, jersey club foi lavado até a exaustão no K-pop nos últimos dois anos, mas “Sourpatch” encontra um ponto doce ao subestimar isso. A produção nunca sobrecarrega a cor vocal, e o grupo abraça o conceito com uma descontração que funciona.

Como estreias vão, “Sourpatch” é uma introdução genuinamente charmosa e um sinal de que o HITGS pode ter texturas mais interessantes para explorar do que seus pares.

ifeye – “r u ok?”

Algumas músicas soam inteligentes. Outras soam caóticas. “r u ok?” consegue os dois, e é exatamente por isso que se destacou este ano. ifeye poderia ter jogado seguro – elas são o primeiro grupo da Hi-Hat Entertainment, uma companhia novíssima sem a infraestrutura herdada que gravadoras maiores costumam ter. Em vez disso, passaram o ano provando que são uma das rookies mais competentes por aí: sem atalhos baratos, sem produção genérica, sem visuais de segunda mão. “r u ok?” é o exemplo mais afiado dessa intenção.

A música se move como se tentasse deixar o gênero para trás. Justamente quando você espera um post-chorus padrão, o instrumental desvia para algo inteiramente diferente, e dali ela se desenrola numa sequência de seções que parecem costuradas por instinto mais do que por fórmula. O refrão acerta limpo e brilhante sobre ritmos de passarela, mas a verdadeira emoção está em como a faixa se recusa a se acomodar. Cada pivô é aterrissado com a confiança de um grupo que entende estrutura o suficiente para dobrá-la.

Os visuais que acompanham – coreografia, styling, a atmosfera do MV – acrescentam ainda mais clareza à virada conceitual que abraçaram entre os retornos. Nada neste comeback parece mal cozido.

“r u ok?” é o tipo de faixa que você fica repetindo sem perceber. Facilmente um dos lançamentos mais interessantes do ano e um lembrete de que atos de gravadoras pequenas podem ditar o ritmo quando a equipe realmente sabe o que está fazendo.

ILLIT – “Do the Dance”

Algumas faixas-título chegam já soando familiares, quase como se sempre tivessem estado no pano de fundo do verão. “Do the Dance”, lançada em 16 de junho como single principal do terceiro EP do ILLIT, “Bomb”, tem esse tipo de brilho. O longo período de teasers e medleys sugeriu algo luminoso, mas a versão final aterrissou com uma facilidade retrô que soou mais clássica do que calculada.

A produção se situa no território Eurodance, mas o detalhe de destaque é como a melodia é moldada por um trecho emprestado de uma antiga trilha sonora de anime japonês. Em vez de tratá-lo como sample de novidade, os produtores o entrelaçam no DNA da música – cordas suaves que dão aos versos uma base sonhadora e levemente nostálgica antes da batida entrar. O contraste funciona porque nada parece forçado. É inclinado ao disco, leve nos pés e sustentado pela capacidade do ILLIT de vender a fantasia sem soar infantil.

Os hooks são apertados, a estrutura limpa e a energia se mantém leve do começo ao fim. É divertido de um jeito que o K-pop às vezes esquece que pode ser: cintilante e confiante o suficiente para não se sobrepensar. As vitórias em programas musicais fizeram sentido. No fim, “Do the Dance” acerta o sentimento que se propõe a criar.

ITZY – “Girls Will Be Girls”

Quando o ITZY lançou “Girls Will Be Girls” em 9 de junho, o grupo estava num ponto em que precisava de uma faixa que soasse assertiva sem reciclar as fórmulas de atitude que vêm usando desde a estreia. O longo período de teasers e highlight medleys sugeria algo de alta energia, mas a versão final atingiu de maneira mais controlada – confiante, sem ser barulhenta por obrigação.

Produzida por Ryan Jhun com uma considerável equipe de compositores, a faixa se baseia em batidas rítmicas e pesadas de baixo e num arranjo vocal que se estende mais do que o approach habitual de faixa-título delas. Em vez de se apoiar em hooks de estilo punchline, a música se abre, deixando harmonias no topo enquanto a produção conduz tudo para frente. Parece uma versão mais adulta do som assinatura do ITZY, em vez de uma reescrita dele.

O que ajuda “Girls Will Be Girls” a se destacar é sua clareza. Sabe exatamente quando recuar e não tenta forçar um slogan para virar tendência. O refrão aterrissa com uma nitidez que lhes cai bem, e a estrutura mantém o ímpeto sem entulhar.

As promoções do retorno sublinharam isso, mas a força da faixa está em como soa natural. O ITZY não precisou se reinventar aqui – apenas refinar as arestas. E é exatamente isso que a música faz.

MEOVV – “Hands Up”

MEOVV não entrou de fininho na era de estreia. “Hands Up”, lançada em 28 de abril como pré-lançamento do primeiro EP “My Eyes Open VVide”, chegou com a confiança que a maioria dos grupos rookies só desenvolve mais tarde. O rollout da The Black Label foi incomumente polido para um pré-lançamento – fotos conceituais, vídeos teaser e um preview afiado do MV – tudo apontando para uma faixa pensada para apresentar identidade em vez de testar águas.

A própria música é rápida e enraizada no funk brasileiro, mas não de forma que soe derivativa. Teddy, Vince e 24 constroem a faixa em torno de um ritmo punchy e um conjunto de linhas de synth que ziguezagueiam sem perder o foco. É barulhento e chamativo, mas não raso. Apoia-se naquela slickness específica da The Black Label, ainda que o MEOVV venda isso com uma leveza que evita que pareça superproduzido.

O MV reforça esse encanto – a storyline alkkagi é estranha, mas inesperadamente centrada, dando ao grupo espaço para mostrar personalidade em vez de posture. As primeiras performances ao vivo provaram que a música não era só sustentada pela produção; elas conseguem igualar a energia sem o polimento de estúdio.

“Hands Up” não funcionou como single de aquecimento. Soou como o tipo de declaração que diz que esse grupo chegou totalmente formado e pronto para competir.

Kep1er – “Bubble Gum”

Kep1er está no seu melhor quando para de se preocupar com contenção e se entrega totalmente ao maximalismo de alto brilho e alto impacto. “Bubble Gum”, faixa-título do sétimo EP coreano lançado em 19 de agosto, é exatamente isso – uma faixa EDM houseira, barulhenta e efervescente, feita para passarelas e luzes de néon. Se “Yum” abriu a porta para essa via sonora, “Bubble Gum” entra e a reivindica sem hesitação.

A batida é enorme – um ritmo avassalador que atinge com a força que só se obtém quando os produtores se comprometem totalmente com a estética. É meio camp, totalmente carregada e deliberadamente exagerada, mas o Kep1er vende isso com uma precisão que mantém tudo no lugar. Os vocais cavalgam o instrumental limpos, e o refrão entrega aquele soco açucarado e afiado que elas sempre lidaram bem.

A razão de funcionar é simples: sabe exatamente o que é e se recusa a pedir desculpas por isso. Não há tentativa de amansar bordas ou fingir sutileza. É orgulhosa de seu próprio excesso – um contraste bem-vindo num ano cheio de paletas suaves e resets gentis.

Se este é o bubble do Kep1er, ele não estourará tão cedo – o sabor continua grudado.

USPEER – “ZOOM”

“ZOOM” é uma daquelas estreias em que a produção deixa suas intenções claras instantaneamente. A MonoTree constrói a faixa em torno de uma batida nervosa e elástica que nunca fica parada – mudanças rápidas, um zumbido baixo correndo na linha vocal do refrão que não deveria funcionar mas de algum modo vira o ponto todo. É deliberadamente excêntrica, o tipo de estrutura que desmoronaria se as performers não estivessem alinhadas, mas o USPEER lida com isso com uma precisão surpreendente para rookies.

A estrutura só funciona porque as integrantes lidam com suas partes com precisão real. Sian abre a faixa e ancora a maioria das transições, dando à música sua linha condutora. Seoyu traz o brilho que suaviza as arestas das mudanças de batida, enquanto Yeowon sustenta as linhas melódicas mais limpas tanto nos versos quanto nos pré-refrões. Soee corta o arranjo com o timbre mais cortante, especialmente no refrão e na ponte. Daon e Chaena adicionam definição onde a faixa precisa de contraste, encaixando-se nas seções médias sem quebrar o ritmo. Roa colore a música com um tom ligeiramente mais escuro, ancorando várias linhas-chave e dando mais tensão aos pré-refrões.

É uma faixa que sobrevive – e prospera – em guinadas à esquerda: refrão estranho, pivôs rápidos, sem espaço para se esconder. USPEER faz funcionar porque permanecem alinhadas ao tempo o tempo todo.

“ZOOM” se compromete com sua estranheza, e esse compromisso é o que a torna um dos singles de estreia mais marcantes de 2025.

VIVIZ – “La La Love Me”

VIVIZ sempre soube lidar com conceitos brilhantes, mas “La La Love Me” pega esse instinto e o passa por uma moldura mais afiada e voltada para clubes. Lançada em 8 de julho como faixa-título do primeiro álbum completo “A Montage of ( )”, chega com o brilho fácil de um single de verão, mas a produção nunca flutua para longe. Uma batida constante e pulsante ancora tudo, dando à faixa mais peso do que sua fachada brilhante sugere.

Os versos fazem o que precisam: vocais limpos, construção constante, pequenos floreios rítmicos para manter as coisas em movimento. O pré-refrão suaviza a energia de um jeito que quase subtrai o ímpeto, mas o refrão compensa com folga.

E o refrão realmente é toda a história aqui. É um dos melhores do ano: uma explosão de energia funky e pesada de clube que eleva a música. A melodia se move em ondas distintas, o hook pega instantaneamente, e o VIVIZ pressiona os vocais mais do que seu tom habitual mais suave. A linha “oh my god, did you say you love me?” cai com muito mais força do que merecemos, tornando-se o gancho real da faixa.

“La La Love Me” prospera porque seu maior momento também é o melhor executado. Um refrão matador carregando a música inteira até a linha de chegada.